jueves, 5 de mayo de 2011

Sympathy For The Devil

En el transcurso de la historia, ha habido momentos o eventos clave que actualmente vinculamos con alguna canción o género musical. Sin embargo muy pocos están tan relacionados con un género musical (o con canciones en especifico) como lo está la guerra de Vietnam; la cual duró toda la década de los 60 y mitad de los 70.

A pesar de estar asociado con la música “Rock” en general, hay canciones específicas que nos vienen a la memoria al hablar de esta guerra; y una de las más emblemáticas es “Sympathy For The Devil” de “The Rolling Stones”

En el año 1968, prácticamente recién terminada la “Ofensiva Tet” efectuada por los comunistas vietnamitas, “The Rolling Stones” grababan este tema en la ciudad de Londres. Actualmente es uno de los temas más conocidos de esta legendaria agrupación.


El álbum “Beggars Banquet” (álbum que figura el tema en cuestión) fue catalogado como “controversial” por contener líricas sexuales y un supuesto “culto satánico” que demostraban en el tema “Sympathy For The Devil”, cuya melodía, composición y lírica, crean un ambiente oscuro y misterioso.

Comenzaremos por el ámbito musical del tema, que en comparación con la lírica, es menos profundo. El inicio de esta canción quizás sea una de las introducciones más conocidas en el mundo de la música. Se dice que fue idea de Richards (guitarrista de la agrupación) el introducir instrumentos adicionales de percusión y crear una fusión entre el “Rock” y la “Samba”.

Por segundos escuchamos únicamente un ritmo que usualmente no relacionaríamos con “Rock n´ Roll” efectuado únicamente por instrumentos de percusión y gemidos de Mick Jagger. Es cuando Jagger comienza a cantar en verdad, momento en el que también aparecen el resto de los instrumentos, que la canción comienza a reconocerse como un tema “Rock”.

Quizás sea por el tema que la canción trata, que la melodía vocal pareciera no estar tan elaborada, en cambio sus cambios en velocidad y fuerza crean la ilusión que el cantante nos llama y que todo esta ocurriendo en un ambiente oscuro y misterioso.

Sin embargo, el logro melódico del tema no estaría completo sin una lírica que fuese igualmente fuerte, impactante y misteriosa.


Durante todo el tema, el cantante actúa como un personaje que nos invita a conocerlo, que nos reta a adivinar su nombre. Para ayudarnos a adivinarlo, nos da una serie de pistas, las cuales (en conjunto con el nombre de la canción, y el hecho que al final del tema el mismo se revela) nos deja bien claro que se trata del mismísimo diablo.

El personaje da como pistas lugares y momentos en los que ha estado presente, todos momentos que han pasado a la historia como oscuros y trágicos.
Para empezar explica como estuvo en el momento en que Pilatos lavo sus manos y condeno a Jesús a la cruz (Made damn sure that pilate - Washed his hands and sealed his fate).

También relata sus apariciones durante la edad media y todas las acciones bélicas religiosas (I watched with glee -While your kings and queens - Fought for ten decades - For the gods they made) así como durante la revolución rusa y el asesinato al Zar Nicolás (I stuck around St. Petersburg - when I saw it was a time for a change - killed the Tsar and his ministers - Anastasia screamed in vain) y durante la segunda guerra mundial (I rode a tank, held a general's rank - when the Blitzkrieg raged - and the bodies stank).
Después de dar todas las pistas, finalmente se desenmascara invitándonos a llamarlo Lucifer. Igualmente, nos advierte que si llegamos a conocerlo lo tratemos con el respeto y la cortesía que merece su titulo, de lo contrario, se deshará de nuestra alma.


Luego de escuchar el tema podemos entender por qué se pudo haber pensado que “The Rolling Stones” tenían una especie de pacto con el diablo. No obstante el mismo Mick Jagger desmintió estas acusaciones a inicio de los años 70, declarando que se trataba de una simple canción.

Es bastante difícil escuchar este tema sin idearnos imágenes de la guerra de Vietnam, de hecho tanto películas como juegos de video que tratan sobre este hecho histórico utilizan el tema como soundtrack.

Quizás una de las razones por las que este tema se relaciona tanto con la guerra de Vietnam (además del obvio hecho de la fecha y el género) es su tema oscuro, que encaja facilmente con la guerra.

En el 2004 este tema fue ubicado como número 32 en la lista de las 500 mejores canciones en la historia.

Me atrevo a asegurar que todas las personas que topen con este post han escuchado la canción. Igualmente me atrevo a asegurar que a la gran mayoría, esta les parece de su agrado. Sin embargo nunca esta de más recordarles que es un tema excelente y altamente recomendado.
  • Tema: Sympathy For The Devil
  • Artista: The Rolling Stones
  • Album: Beggars Banquet
  • Género: Rock
  • Año: 1968

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jueves, 21 de abril de 2011

Winter Winds

En lo que conocemos como música comercial, el 90% las bandas en el 90% de sus temas cuentan con los instrumentos esenciales y característicos de la música “Pop” o “Rock”. Es decir una guitarra, una batería y un bajo eléctrico; con la ocasional añadidura de un teclado o un sintetizador.

Sin embargo en la última década, con el auge de la llamada música “Indy”, la inclusión de instrumentos no convencionales en la música comercial ha crecido. (No con esto quiero decir que no se utilizaran dichos instrumentos antes del auge de este estilo).
Instrumentos utilizados en música folklórica de diferentes países (especialmente el Bluegrass de los Estados Unidos) han encontrado puesto en las bandas de “Pop” y “Rock” actuales.

Instrumentos como la mandolina, el dobro y el banjo son utilizados como instrumentos principales en algunas bandas que ya entran en la categoría de música comercial.
Una de las cosas que más me llaman la atención en la escena musical actual, es como instrumentos autóctonos americanos como lo son el banjo y el dobro, son utilizados con tanta propiedad y maestría por agrupaciones inglesas.

Una de las agrupaciones que cuenta con las características anteriormente mencionadas (inglesa, de la movida “Indy”, empleadores de instrumentos “no convencionales”) es “Mumford And Sons”.


Creada en el 2007 y con solo un álbum en el mercado (Sigh No More), esta banda ha crecido en popularidad rapidamente en tan solo cuatro años. Su segundo single y uno de sus temas más conocidos es “Winter Winds”.

Cuando escuchamos “Winter winds” podemos notar, inmediatamente, el estilo “no convencional” de esta banda y su interés por experimentar con otros instrumentos. Los primeros instrumentos que logramos distinguir son instrumentos de viento junto con la guitarra, en una inmediata explosión de sonido en los primeros segundos de la canción.

Para el momento en que Marcus Mumford (vocalista) entra a cantar, solo queda sonando la guitarra, quitándole un poco de energía a la música y dándole un aire melancólico y triste. La totalidad de los instrumentos vuelven a encontrarse en los coros, de la misma manera explosiva que comienza la canción.

Entre coros podemos escuchar los arpegios del banjo, lo que le dan a la canción ese aire de “fronteerland” o de “bluegrass” que escuchamos en la mayoría de las piezas de la banda.

Es interesante acotar las siguientes curiosidades. El tema es un “Waltz”, es decir esta construido en compases de 3/4 en vez de 4/4 (normalmente utilizado para el “Rock” y “Pop”). El bajo en el tema no es eléctrico, sino acústico; elemento que añade al ambiente “Country” folklorico de la canción. Y por último, el tema no cuenta con una batería, la percusión que existe es únicamente golpes de bombo, efectuados por el mismo cantante de la banda.


Ahora, líricamente el tema es una mezcla de amor y desolación. Los fríos vientos de invierno en la ciudad de Londres impulsaron a dos personas a unirse en una noche de amor, sin embargo esta relación no prosperaría; quedaría como un buen recuerdo pero nada más.

El cantante explica que, a pesar que su cabeza quería continuar, su corazón le decía que no. De la misma manera le dice a su pareja que, si se siente triste, solo tiene que recordar que la primavera derrite la nieve y despierta a las plantas.

En mi opinión “Mumford And Sons” presenta una de las propuestas más interesantes de la música comercial actual, y “Winter Winds” es uno de sus mejores temas.

  • Tema: Winter Winds
  • Artista: Mumford And Sons
  • Album: Sigh No More
  • Género: Indy/Folk
  • Año: 2009

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domingo, 6 de marzo de 2011

Thula Mama

Bela Fleck dijo una vez que uno de los mejores lugares en los que se escucha música acústica es en el continente africano. Luego de escuchar al surafricano Vusi Sidney Mahlasela Ka Zwane, estoy totalmente de acuerdo con esa afirmación.

Mejor conocido como Vusi Mahlasela, o simplemente como “The Voice”, este artista presenta una propuesta musical realmente interesante, mezclando ritmos e intereses africanos con ritmos y melodías occidentales y modernas.


Sus líricas, como cabe esperar de un surafricano de color, son totalmente en contra del racismo y a favor de paz y unión entre enemigos; sus temas sirvieron de inspiración para todos aquellos surafricanos que lucharon contra el apartheid.

El tema “Thula Mama”, en cambio, trata sobre un tema que afecta a toda la sociedad africana e incluso al mundo entero. No dejemos que su alegre melodía nos engañe, esta canción es básicamente una de queja, es un tema que refleja la preocupación que presenta el cantante sobre el mundo decadente en el que vivimos actualmente.

Al cantarla Vusi cuenta una historia. Recuerda de pequeño ver a su madre (Thula) llorando, y aunque era muy ignorante para comprenderlo, ahora entiende que su madre lloraba por el futuro que le esperaba a este mundo. Entonces Vusi hace una serie de preguntas sobre la injusticia en el mundo, preguntas que, a pesar de tener una respuesta obvia, deben ser preguntadas por todos.

Muchas personas coinciden en que el tema principal de la canción es la injusticia contra la mujer; sin embargo es mi opinión personal que esta canción trata sobre mucho más que eso. Trata sobre la injusticia en general que presenta una sociedad decadente corrupta, la sociedad del mundo actual.

A pesar de todo esto, Vusi insiste en que el día de mañana será un día mejor. Quizas por esta razón la melodía jovial.

Entonces, por otro lado vemos a “Thula Mama” como una canción musicalmente alegre. Los únicos instrumentos presentes son una guitarra acústica y la voz de Vusi. Comienza todo con una melodía realmente alegre por parte de la guitarra, a la que se une la voz seca de Vusi imitando sus notas y acordes.

Es realmente interesante escuchar a Vusi Mahlasela cantando simultáneamente con su guitarra y de pronto romper en los versos de una manera suave y fina. Además, se puede decir que el acento africano que presenta el cantante, le da al tema un extra realmente interesante.


No es lo más usual escuchar a un cantante oriundo de África, de hecho muy pocos cantantes africanos que mantengan raíces africanas en su música (entre ellos K’naan y Oumou Sangaré) han tenido éxito en el mundo occidental. Sin embargo Vusi Mahlasela ha compartido escenario con grandes artistas como por ejemplo Bela Fleck y, el también surafricano, Dave Matthews.

“Thula Mama” es un tema realmente interesante, a pesar de tratar un tema fuerte, la melodía no se deja afectar por este y nos presenta una canción musicalmente alegre y agradable al oído.

  • Tema: Thula Mama
  • Artista: Vusi Mahlasela
  • Album: Naledi Ya Tsela (Guiding Star)
  • Género: African Folk
  • Año: 2007

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PD: Me disculpo por la publicidad indeseada al comienzo del video; no habia ningun otro que se apegara más a la canción.

jueves, 3 de marzo de 2011

Redemption Song

En el año 1937 una personalidad jamaiquina de nombre Marcus Garvey pronunció un apasionado discurso en contra del racismo en Nueva Escocia, Canadá.
A pesar de no ser un personaje mundialmente conocido, y que su discurso prácticamente se haya perdido con el paso del tiempo; el mensaje principal de éste vive en dos frases que perdurarán indefinidamente:

“Emancipate yourself from mental slavery… None but ourselves can free our minds” o “Emancípate de la esclavitud mental… Nadie sino nosotros mismos puede liberar nuestras mentes”.

Estas frases fueron tomadas por el altamente conocido Bob Marley, quien las inmortalizó, en el año 1980, con su tema “Redemption Song”.


Musicalmente este tema no presenta ninguna de las características de la música habitualmente tocada por Marley. Todos los elementos de la música “Reggae” quedan apartados y son, únicamente, una guitarra y la voz de Marley los elementos que constituyen una de las baladas más conocidas en la historia musical.

Líricamente la canción presenta mucha más profundidad. Se podría decir que varios elementos se suman y crean este excelente tema. Podríamos comenzar con el elemento musical, que nos llevara poco a poco sobre los otros elementos hasta que eventualmente los tendremos todos a la vista.

Por éste elemento tenemos la principal rama musical a la que se apega el cantante Bob Marley: el “Reggae”. Este género musical presenta, originalmente, además de melodías simpáticas y agradables, letras con mensajes de amor, paz y libertad. La razón de esto es que la cuna del “Reggae” es la religión Rastafari.

El movimiento Rastafari tiene entre sus doctrinas principales el “afrocentrismo”, el cual reconoce a África como la cuna de la vida y a Haile Selassie I de Etiopía (emperador de dicho país desde 1930 a 1974) como el segundo Mesías, o Dios reencarnado. Además de eso, lógicamente, esta religión esta en contra de la esclavitud y a favor de la unión de todas las razas bajo un manto de paz y libertad.
Por estas razones el tema de la esclavitud y la libertad es de suma importancia para todos los Rastafari (o Rastas) y por ende, para la mayoría de los jamaiquinos.

Al escuchar la letra del tema podemos entender que comienza como una historia de una persona que fue atrapada por unos mercaderes de esclavos. Sin embargo esta persona fue fortalecida por Dios quien le ayuda a encontrar la libertad.

Además de la historia, la letra nos insta a que nos unamos todos bajo el canto de la canción de libertad y que llevemos a cabo lo que dice El Libro. Estos mensajes denotan el peso idealista y religioso que, no encontramos únicamente en este tema, sino en la gran mayoría de las canciones de Bob Marley.


El tema “Redemption Song” fue reconocido por la revista “Rolling Stone” como el número 66 de las 500 mejores canciones de la historia. Además, el tema original de Bob Marley ha sido versionado más de 20 veces por artistas entre los que se incluyen Chriss Cornell, Sinead O’Connor y Rihanna.

Quizás no sea lo que esperamos escuchar cuando se nos dice que escucharemos una canción de Bob Marley. Sin embargo su mensaje, su simple melodía y el sentimiento que le imprime el cantante la han convertido en una de sus canciones más famosas.

  • Tema: Redeption Song
  • Artista: Bob Marley and The Wailers
  • Album: Uprising
  • Género: Balada/Folk/Reggae
  • Año: 1980
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