domingo, 20 de diciembre de 2009

Bennie and the jets

Muchas bandas, debido a sus años de trayectoria o calidad de canciones (o ambas), han llegado a concentrar una gran cantidad de fans creando los conocidos “fanclubs” o incluso llegando a inspirar a otros artistas para componer canciones sobre ellos.

En el año 1973, Sir Elton John Saca al mercado su séptimo álbum de estudio que lleva por nombre “Goodbye Yellow Brick Road”, y en este une sus talentos con el escritor Bernie Taupin para componer una canción sobre una banda de los años 70 que lleva por nombre “Bennie And The Jets”.

Es realmente admirable y sorprendente que un cantante de la talla de Elton John, incluso en sus primeros años, haya compuesto una canción que es realmente un tributo a otra agrupación musical. Para todos aquellos lectores que hayan sentido ese asombro al enterarse de este hecho, les digo que la canción es realmente una sátira sobre la industria musical de los años 70, y que el hecho que se haya escogido a la banda “Bennie And The Jets” es totalmente indiferente, ya que esta banda es creación de Taupin y John.

En este tema, John habla sobre la mejor banda del momento, y en su canción el es uno de sus fans. John llama a la gente para que vaya a escuchar los conciertos y vaya a ver a la banda, se podría decir que le esta haciendo publicidad a la banda. Sin embargo, más a fondo se puede entender el verdadero sentido de la canción y la burla que se hace hacia la música de los años 70.

Prácticamente Taupin y John critican el hecho que la música se ha convertido en algo superficial y que todo lo que importa es el dinero. Que lo que realmente importa en una banda es como lucen y la cantidad de fanáticos que obtienen, y no realmente la música que producen.

Estrofas como: “We'll kill the fatted calf tonight, so stick around, you're gonna hear electric music, solid walls of sound.” (Esta noche mataremos al ternero gordo, así que quédense, escucharas música electrónica, sólidas paredes de sonido) muestran la importancia que le dan al dinero y al show y el desprecio que muestran por la música electrónica “moderna” al denominarla como una pared sólida.

También está la clara burla a Bennie (la cantante del grupo ficticio) y al hecho que importa más como se luce y la publicidad, que como se canta: “She's got electric boots, a mohair suit you know I read it in a magazine Ohh...” (Tiene botas eléctricas y un traje de pelo de cabra, saben, lo leí en una revista…)


Con respecto a la música, este tema es bastante sobrio, cuenta simplemente con un piano, tocado por Elton John, que realmente lleva toda la melodía de la canción, una batería que marca el tempo y la voz del cantante. Esto, obviamente es ideal, ya que en una canción que se burla de la “música eléctrica moderna” el piano (un instrumento clásico y estilizado) encaja a la perfección.

Una de las características más reconocidas de la canción, además de la cadencia en el piano, es la manera en que John dice el nombre de la banda. (B-B-B-Bennie And The Jets)

El álbum “Goodbye Yellow Brick Road” llegó al puesto número uno, en el año 1973, en el “UK Album Chart”, “Billboard Pop Album” y el “Australian Kent Music Report Album Chart”. Mientras que la canción “Bennie And The Jets” llego al puesto número uno en el “Billboard Hot 100”.

Además esta canción aparece en varias películas, como “27 Dresses”, “Running With Scissors” y “Sliding Doors” y en series como “The Ofice”, “The Simpsons” y “Futurama”.

“Bennie And The Jets” es una denominadas “clásicas” de Sir Elton John, y en la opinión de varios, una de las mejores. Realmente merece ser escuchada.

  • Tema: Bennie And The Jets
  • Artista: Elton John
  • Album: Goodbye Yellow Brick Road
  • Género: Soft Rock
  • Año: 1973

jueves, 3 de diciembre de 2009

Banana boat song (Day-O)

Cada lugar del mundo tiene un tipo de música que los caracteriza. Música que concentra la tradición, estilo de vida, e historia de algún lugar especifico. Este tipo de música es el que conocemos con el nombre de música folklorica.

La mezcla de influencias africanas, con las características indígenas y algunos rasgos de los colonizadores, crearon una rica mezcla en la zona caribeña. De las islas de esta zona, se puede extraer el estilo musical denominado “Calypso”; y de una isla en específico: Jamaica, se extrae el tema “Banana Boat Song”.

Como la mayoría de las canciones folkloricas, no se conoce el autor original de la misma. Sin embargo se toma la versión de uno de los intérpretes, sea el primero que la elaboro o sea la versión más famosa, y se le atribuye a este interprete la autoría de la canción. En el caso de “Banana Boat Song” este intérprete es el actor/cantante Harry Belafonte.

En el año 1956 Belafonte da a conocer un álbum de vinilo que lleva por título “Calypso” y que contiene la canción “Banana Boat Song” (también conocida como “Day-O”). Esta canción cuenta con todas las características de la música afrocaribeña. Las influencias africanas traen los tambores y todos los instrumentos de percusión. De hecho en la canción los únicos instrumentos que aparecen son la voz del cantante y varios instrumentos de percusión.

El ritmo de la canción es pausado, lento. Esto tiene una explicación. Esta canción fue ideada por trabajadores que se encargaban de embarcar mercancía en barcos encargados de transportar bananas. Los trabajadores cantaban diferentes canciones para marcar un ritmo y tiempo sobre el cual trabajar. Ya que su trabajo consistía en manejar cargas pesadas, necesitaban un tempo lento.

Una vez conocido el origen de este tema, es mucho más simple entender y comprender la letra de la misma. Por la misma razón que es una canción para cantar mientras se trabaja, consta de estribillos repetitivos, fáciles de recordar y que ayuden a marcar el tempo. Principalmente la canción narra la venida de un nuevo día, con el cual los obreros podrán dejar de trabajar e ir a casa. Por la misma razón que no se conoce su intérprete original, tampoco se conoce la letra original. Nadie puede asegurar en un 100% cual es la letra de la canción, probablemente se utilizaba un estribillo o coro común, y se improvisaban las diferentes estrofas. De esta manera no solo se marcaba el tiempo de trabajo, sino que también se entretenían los trabajadores.

En el tema de Belafonte, se escucha al supuesto trabajador cantar sobre como labora durante toda una noche con solo un trago de ron, o como se encuentra una tarántula entre las frutas, o como llama al “Tally-man” (capataz) para que cuente las bananas. Episodios que, imagino, eran comunes entre los trabajadores jamaiquinos metiendo mercancía en un barco.

El álbum “Calypso” de Belafonte estuvo 31 semanas consecutivas de número uno en la lista Billboard, mientras la canción “Banana Boat Song” llego al puesto 5 de las mismas listas.

Este tema ha sido utilizado en varias series como “Futurama” y “The Fresh Prince Of Bel-Air”, sin embargo se hizo realmente famosa por la película de Tim Burton del año 1988 titulada “Beetlejuice”. En esta película un par defantasmas poseen a un grupo de personas y les hacen cantar esta canción. (De hecho, el video que figura en el post es este extracto de la película, ya que realmente vale la pena verlo)
  • Tema: Banana Boat Song (Day-O)
  • Artista: Harry Belafonte
  • Album: Calypso
  • Género: Calypso
  • Año: 1956




martes, 17 de noviembre de 2009

Love like winter

En el año 1991 se forma, en una pequeña ciudad de California, una banda que luego de 18 años de trayectoria, cuenta con una amplia discografía. Una banda que se pasea por el amplio género “Punk”, con canciones que van desde “Hardcore Punk” hasta “Horror Punk” hasta Rock alternativo. Una banda que lleva por nombre “A Fire Inside”, pero que sin embargo es conocida mundialmente como “A.F.I”.


Su séptimo trabajo de estudio, sale al mercado en el año 2006 y lleva por nombre “Decemberunderground”. De este álbum, se extrae el tema “Love Like Winter”.

La canción “Love Like Winter”, al igual que todas las canciones de esta agrupación, es oscura y sombría. Mezcla una harmonía con terminaciones bajas con la voz aguda y fría de Davey Havok, creando un ambiente de misterio. Este tema comienza con un sonido de pasos que rápidamente es sustituido por un efecto de guitarra que asemeja a un eco. La voz aguda de Havok entra, y luego de una estrofa cantada y un repique de batería entran en conjunto todos los instrumentos.

El cambio de estrofa a coro es violento, ya que de una estrofa relativamente calmada y tranquila, explota a un coro rudo y movido. En el coro, como en el resto de la canción, la guitarra es el instrumento que manda, una guitarra fuerte y excelentemente manejada por el guitarrista Jade Puget. Durante toda la canción este instrumento ejecuta una serie de punteos y solos en forma de corte, por ejemplo, en la mitad del coro, por unos segundos se escucha únicamente a la guitarra emitiendo un corte, ayudada por un sintetizador que provee un efecto de eco.

El bajo no es un instrumento notable en la canción, adoptando de esta manera una de las características del “Rock”, mientras que la batería es hábilmente maneada, emitiendo una serie de repiques y respaldando a la guitarra durante la mayor parte del tema.

“A.F.I” es a veces catalogada como una banda “emo”. Esto ocurre por la apariencia de sus integrantes (en especial el cantante Havok), por el estilo de música que ejecutan y por supuesto, por las letras de sus canciones. “Love Like Winter” habla sobre un amor. Sin embargo este amor ocurre en un lugar donde siempre es diciembre, siempre es invierno y por lo tanto, siempre hace frío.


La canción hace varías referencias a situaciones que suceden en temperaturas bajo cero y referencias a un amor que parece haber acabado y ahora solo puede ser recordado. Sin embargo se dice que la sangre puede devolver el calor, y mientras la pareja estaba junta, era la sangre lo que los mantenía calidos.

Claramente una letra sombría y triste, la cual es respaldada de manera eficiente por una música cien por ciento acorde con el tema.

Este tema apareció en los conteos “Billboard”, sin embargo su posición tope la consiguió en el “Chart” “Hot Modern Rock Tracks” en el que figuro de número cuatro. Además de esto, a partir del día de hoy (17/11/2009) esta canción podrá ser adquirida para el juego “Rock Band”.

A pesar de que “Love Like Winter” sea una canción oscura y melancólica, vale la pena escucharla, realmente es una buena ejecución de instrumentos para crear una gran pieza.

  • Tema: Love Like Winter
  • Artista: A Fire Inside (A.F.I)
  • Album: Decemberunderground
  • Género: Punk
  • Año: 2006




martes, 27 de octubre de 2009

What you thought you need

Muchas veces en las películas vemos historias que tratan sobre algún personaje, que luego de superar una tragedia, y de sobrepasar el mal tiempo que viene en consecuencia de la misma, encuentran refugio o mejoría en algún arte; y este le hace descubrir un lado desconocido de su vida y termina viviendo felizmente.

Personajes así no solo existen en las películas. El conocido músico Jack Johnson fue, por mucho tiempo, surfista profesional. Sin embargo a los 17 años de edad sufrió un accidente y después de este dejo de surfear profesionalmente para, eventualmente, convertirse en el músico que muchos conocemos hoy día.

Este accidente y su naturalidad hawaiana hicieron de Johnson una persona romántica y en contacto con el mundo, la naturaleza y el ambiente; De hecho, se considera a él mismo un “Tree hugger” (abraza árboles). Todas estas cualidades las podemos ver reflejadas en su música.

En el año 2008 lanza al mercado su cuarto álbum de estudio titulado “Sleep Through The Static” en el cual figura la canción “What You Thought You Need”.

Esta canción, como todas las de su autoría, presenta un ritmo y melodía suave y relajada, en el que los instrumentos involucrados son principalmente la guitarra y la batería. Este tema inicia únicamente con una guitarra, la cual es sustituida completamente por la batería, para luego dar paso a la unión de ambos instrumentos. Por ultimo tenemos la añadidura del bajo y de la voz del mismo Johnson. Esta voz influye mucho en el ambiente de la canción. Es una mezcla de ronco y suave que aporta un “feeling” de relax y tranquilidad.

Realmente se podría decir que es una canción musicalmente simple, pero la simplicidad y dulzura de su música tiene sentido cuando se le considera como acompañamiento de la letra.

La canción trata sobre una pareja, siendo Johnson un miembro de la misma. El cantante le dice a su pareja que el no le va a poder dar todo lo que ella quiera, pero sin embargo le va a poder dar lo que ella cree que necesite. Mediante ejemplos le dice que valore las cosas pequeñas y todos esos detalles que usualmente se pasan por alto. Le dice que incluso los errores los vea como oportunidades y los considere positivos. El mensaje final que le deja Johnson a su pareja es que todo lo que hagan y sea cual sea la manera en que lo hagan, todo es por el bien de llegar al mismo sitio juntos, es decir, todo lo que se haga esta bien, mientras lo puedan hacer juntos.

El álbum “Sleep Through The Static” tuvo un buen reconocimiento, adquiriendo disco de oro en Inglaterra y Japón, y disco de platino en Australia y Estados Unidos.

“What You Thought You Need” es una canción que se puede catalogar de simple, pero no necesariamente es este un adjetivo negativo, ya que en este caso se refiere a una canción hermosa y fácil de escuchar.

  • Tema: What You Thought You Need
  • Artista: Jack Johnson
  • Album: Sleep Through The Static
  • Género: Soft Rock
  • Año: 2008

lunes, 19 de octubre de 2009

Lemon Tree

Muchas personas han escuchado el termino “One Hit Wonders” (maravillas de un hit), y los que no lo hayan hecho, seguramente conocen al menos un ejemplo. Este término se refiere a todas aquellas agrupaciones musicales que son conocidas únicamente por un gran éxito, y sus canciones posteriores no son realmente conocidas.

Un buen ejemplo de un “One hit wonder” es la agrupación alemana “Fool’s Garden” quienes en el año 1995 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, titulado “Dish Of The Day”, en el cual figura su más famoso tema que lleva por nombre “Lemon tree”.


Esta es una canción bastante interesante en el área musical, sin embargo comenzaremos hablando de su letra. El tema trata sobre una persona que esta sola, esta encerrada. Peter Freudenthaler (cantante de la banda) nos habla sobre un joven que se encuentra solo esperando por una persona. Este joven desea hacer muchas cosas, sin embargo lo único que logra hacer es quedarse en el mismo sitio y preguntarse. Se pregunta por qué y como después que la persona a la que espera le había prometido cielos azules, lo único que logra ver es un limonero amarillo.

Se podría decir que se juega con las metáforas, el cielo azul habla sobre la esperanza y todo lo bueno, mientras que el limonero representa la amargura. Existe una especie de mito urbano que cuenta la historia de una de las novias de Freudenthaler (aunque en algunas versiones se habla de una novia de Volker Hinkel, guitarrista) murió en un accidente automovilístico en el que su auto choco contra un limonero. De ser cierta esta historia, la canción tendría una razón de ser más obvia y comprensible.

Ahora sobre el aspecto musical. Después de entender la letra de la canción, y de saber que esta habla, principalmente, sobre emociones de alegría y de tristeza; se pueden extraer varias conexiones entre estos sentimientos y los instrumentos y melodías de la misma.

Al inicio de la canción lo único que se escucha es un teclado el cual marca la melodía principal del tema, la cual es bastante marcada y acentuada. Luego de un breve silencio y el sonido de un vidrio rompiéndose (de ser cierta la historia de la novia, podría ser una analogía) se unen al teclado el resto de los instrumentos, incluyendo la voz del cantante. Las estrofas de la canción muestran una melodía relativamente triste, en la cual se escuchan instrumentos de viento como el trombón y el clarinete. Estos dos instrumentos le añaden un extra de tristeza y melancolía a la canción. Durante el coro, sin embargo, a pesar de mantener el mismo tempo, la melodía cambia, y la canción se vuelve una más alegre.


Este juego de cambios de melodía entre estrofas y coro, va de la mano con el tema y la letra de la canción. Esto crea un buen balance mediante un buen manejo de los recursos disponibles.

Este tema figuró en el número uno en los siguientes países: Austria, Irlanda, Noruega, Suecia y por su puesto, Alemania. En el Billboard de los Estados Unidos, figuró en el número 13.

Una canción que parece tan simple, dio a conocer a esta banda alemana y quedó para siempre como su tema estrella. Un manejo excelente de combinación de letra y música, y un ritmo y una melodía altamente pegajosas, hacen de “Lemon Tree” una canción que cuesta mucho escucharla una sola vez.

  • Tema: Lemon tree
  • Artista: Fool's Garden
  • Album: Dish Of The Day
  • Género: Indie Pop
  • Año: 1995

sábado, 10 de octubre de 2009

Mad World

En este blog se ha hablado de “covers”, se ha hablado de “soundtracks”, se ha hablado de artistas que se dan a conocer por simplemente una sola canción, y luego son prácticamente olvidados. El siguiente post es sobre una canción que agrupa todas las opciones anteriores.

En el año 1982 Roland Orzabal, el cantante de “Tears For Fears”, compone el tema “Mad World”. Este tema, uno de los más conocidos de esta agrupación, fue victima de un “cover” dos décadas después por el artista “Gary Jules”, quien en el año 2001, da a conocer su versión del tema en la película “Donnie Darko”.


Al escuchar la canción podemos notar un inmediato aire de melancolía y tristeza. En el inicio se escucha únicamente un piano, que marca la melodía de la canción. Casi inmediatamente se añade la voz del cantante, la que es ejecutada de manera ligera, dando la impresión que el cantante se encuentra realmente en un estado de sufrimiento. A estos dos instrumentos musicales (piano y voz), se le añade luego un violonchelo que marca la línea de bajo en la canción. Al contar únicamente con estos tres instrumentos se puede decir que esta es una canción musicalmente simple. El enganche de la misma y lo que llama la atención, es la manera en la que es ejecutada, la perfecta conexión que existe entre música y letra.

Líricamente la canción es igual o más triste que musicalmente. Trata sobre una persona que prácticamente se esta rindiendo en el mundo, que no ve felicidad. Esta persona ve todo como una rutina y en su visión del mundo la gente no va a ningún lado, todos se levantan en la mañana dispuestos a cumplir sus quehaceres del día, los cuales a la final no llevarán a ningún lado. El la única cosa en la que esta persona encuentra felicidad es en los niños. Los niños actúan felices, con nerviosismo y curiosidad, pero un nerviosismo y curiosidad honesta. Es la inocencia lo que les hace ser feliz, hasta que se convierten en adultos y caen en el espiral sin fin.

El personaje de esta canción se encuentra tan triste y tan desganado, que asegura que los mejores sueños que ha tenido en su vida, son aquellos en los que muere.

Roland Orzabal describe la letra de la canción como: “Lyrically the song is pretty loose. It throws together a lot of different images to paint a picture without saying anything specific about the world” o “Liricamente la canción es bastante suelta. Junta una gran cantidad de imagenes diferentes para componer una pintura que no termina de decir nada especifico del mundo”.
Esta falta de especificidad la da la mezcla de la tristeza del personaje de la canción más la alegría e inocencia de los niños. Mostrando un mundo que no es ni triste ni feliz.

Esta canción además de aparecer en la película “Donnie Darko” aparece en varias series de televisión como: “Cold Case”, “CSI”, “Dead Like Me”, “ER”, “Jericho”, “Las Vegas”, “Nip/Tuk”, “Smallville”, “The Cleaner”, “The L Word”, “The OC”, “Third Watch”, “Without a Trace” y “House MD.”. Tambien ganó popularidad cuando el “American Idol” Adam Lambert la interpreto en el programa.

Además, la versión de Gary Jules estuvo varias semanas en el primer puesto de Inglaterra.

Al leer esto se podrían preguntar: ¿Cómo pueden tantas series de televisión querer una canción inmensamente triste, con una línea musical extremadamente simple? Escuchen la canción y creen su propia respuesta.

  • Tema: Mad World
  • Artista: Gary Jules
  • Album: Donnie Darko Sountrack
  • Género: Rock Alternativo
  • Año: 2001

viernes, 21 de agosto de 2009

3's & 7's

En el mundo de la música uno puede buscar diversos géneros y/o diversas agrupaciones para obtener un sonido específico. Diferentes géneros juegan de varias maneras con los diferentes instrumentos, y luego, las varias agrupaciones que existen dentro de un mismo género le dan un sonido diferente a su música. Si lo que se está buscando es un sonido agudo, donde mande una guitarra líder; uno de los mejores grupos para escuchar es “Queens Of The Stone Age”, y una de las mejores canciones “3’s & 7’s”.

Este tema es el segundo single del cuarto álbum de la banda, el cual lleva por título “Era Vulgaris”, que salió a la venta el año 2007. Al escuchar esta agrupación, oriunda de California, se pueden identificar unas características presentes en la mayoría de sus canciones. Una guitarra con un agudo bastante alto, un bajo que le da balance al audio (aunque queda a la sombra de la guitarra) y una batería pesada y fuerte.

Al comenzar la canción lo primero que escuchamos es la guitarra de Josh Homme con una especie de charrasqueo que marca la melodía y el tempo. A esto le sigue un silencio; luego del cual, de manera explosiva, entran todos los instrumentos a la vez. Aquí podemos notar la agudeza de las guitarras, el bajo y la fortaleza de la batería. Sobre la guitarra de Homme, suena un punteo de la segunda guitarra de la agrupación a manos de Van Leeuwen. Por último (deja de sonar el punteo) y suena la voz de Homme, la cual, a pesar de lo pesado de la letra, siempre parece cantar con calma.

Casi al final de la canción se escucha un segmento característico de esta agrupación, en la cual, por encima de la voz del cantante se escucha, en conjunto, todos los instrumentos en un tempo fuertemente marcado.

Con respecto a la letra, Homme nos habla de los bueno y conveniente que es mentir. Nos dice que si uno dice una mentira, conviene nunca decir la verdad y llevar la mentira a la tumba. Con las frases “Truth Hurst” (la verdad duele) y “Ignorance is bliss” (la ignorancia es maravillosa) Homme establece que es mejor no saber la verdad, ergo, es mejor mentir. Para Homme, la mentira es un regalo del diablo, y con ella uno será más santo que nunca.

Este tipo de letras, un tanto pesadas, negativas, y cercanas a un mal estilo de vida son características de esta agrupación.

El álbum “Era Vulgaris” se colocó en los primeros cinco puestos en: Australia, Austria, Bélgica, Canadá, Alemania, Nueva Zelanda, Noruega y Suecia. Y el tema “3’s & 7’s” llegó al primer lugar en el “UK Rock singles chart”.

El tema “3’s & 7’s” aparece en el juego de video “Madden 08” además de en “Rock Band” y “Guitar Hero III: Legends Of Rock”. Además el tema aparece en la serie de televisión “Reaper”.

Si se está de ánimos para escuchar una canción de “Rock” estilo clásico, que sea pesada y que tenga un excelente trabajo de guitarra, “3’s & 7’s” es la opción perfecta.

  • Tema:3's & 7's
  • Artista: Queens Of The Stone Age
  • Album: Era Vulgaris
  • Género: Rock
  • Año:2007






lunes, 10 de agosto de 2009

Top 15 "Featuring"

No es nada escondido que en el mundo de la música existen grandes artistas. Están los que han mantenido una gran carrera con el pasar de las décadas, como existen aquellos que se inmortalizaron con un gran éxito. Y también los hay tan grandes, como para que otros artistas quieran compartir algún trabajo con ellos.

Ya sea por ayudar a otro artista, por recibir ayuda, o simplemente por trabajar juntos; muchos artistas han cantado canciones en conjunto, muchas de las cuales se han hecho famosas. Estas canciones son interpretadas por su autor original “presentando” al artista invitado. Esta presentación la conocemos como “Featuring” o su abreviatura “Ft”.

A continuación el cuarto “Top 15” de “Dont Stop The Music”:

Top 15 “Featuring”


#15- Getcha Groove On.
En el año 2000, en el álbum de “Limp Bizkit” “The Chocolate Starfish And The Hotdog Flavored Water”, la canción “Getcha Groove On” presenta como invitado al rapero “Xzibit”. El género “Rock/Rap” de “Limp Bizkit” encaja a la perfección con el rapero. El resultado es una canción poco conocida pero bastante buena.

#14- Lo Grande Que Es Perdonar.
En el año 2005 el portorriqueño Luis Armando Lozada Cruz, mejor conocido como “Vico C” presenta su álbum titulado “Desahogo”. Por esos años el “Reggaeton” paso a ser uno de los géneros más escuchados en Latinoamérica y el mundo. No es de extrañar que cualquier músico quisiera cantar este género para ser escuchado. El tema “Lo Grande Que Es Perdonar” es uno de estos ejemplos y “Vico C” lo canta junto al celebre salsero Gilberto Santa Rosa.

#13- Baila Morena.
El artista italiano Zucchero, en el año 2004 lanza su álbum “Zucchero & Co”, en el cual comparte sus temas más famosos con artistas de todo el mundo. Uno de estos temas es el conocido “Baila Morena”, interpretado junto a la agrupación mexicana “Maná”. Después de la participación de esta agrupación,“Baila Morena” logró ser uno de los temas más conocidos de Zucchero. Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/07/baila-morena.html

#12- Non Me Lo So Spiegare.
En el año 2003, Tiziano Ferro saca al mercado el álbum “111” en sus versiones en italiano y en español. La canción “Non Me Lo So Spiegare” o “No Me Lo Puedo Explicar” la canto, también en ambos idiomas, con la también italiana Laura Pausini.

#11- Nobody Wants To Be Lonely.
Del Segundo álbum en ingles del cantautor Ricky Martin, se extrae el tema “Nobody Wants To Be Lonely” que canta junto a Christina Aguilera. Al cantar junto a Aguilera, este tema romántico llega a un nivel que no pudo haber sido alcanzado únicamente con Ricky Martin.

#10- Moskau.
En el álbum “Reise Reise” de la agrupación alemana “Rammstein” canta junto a Yulia Volkova (miembra de Tatu) la canción “Moskau”. La voz ronca de Lindemann contrasta con la dulce voz de Volkova, lo que tiene sentido, ya que la canción habla de la ciudad de Moscú, de sus características hermosas y horribles.

#9- Strength Of My Life.
En el año 2006 la agrupación californiana “P.O.D” saca al mercado su álbum “Testify”. En este comparte canción con el artista “Matisyahu”. El “rock/rap” de esta agrupación encaja a la perfección con el “Reggae” de “Matisyahu” y crea una canción relajada que realmente vale la pena escuchar.

#8- Fotografía.
El álbum de Juanes titulado “Un Día Normal” contiene la canción “Fotografía”. Esta canción la canta junto a la portuguesa Nelly Furtado. Este conjunto crea un tema realmente melodioso.

#7- 4 Minutes.
Esta canción de “Madonna” no solo tiene como invitado a Justin Timberlake sino también a “Timbaland”. Sin embargo es el primero el que realmente destaca. Esta unión de cantantes genera una verdadera “explosión” de música “Pop”. Este tema aparece en el álbum de “Madonna” titulado “Hard Candy”.

#6- Anxiety.
El grupo “Black Eyed Peas” se ha caracterizado por explotar y explorar diferentes géneros musicales y por tener como invitados a muchos grandes artistas. La canción “Anxiety” de su álbum “Elephunk” es una mezcla de su típico “Rap” y “R&B” y el “Rock” más pesado del grupo “Papa Roach”.

#5- Smooth.
Siendo Santana un guitarrista, y no un cantante, necesita de la participación de diferentes cantantes. Ha contado con la participación de “Maná”, “Dave Mathews Band” y muchos otros, sin embargo uno de los mejores temas, y más conocidos es el que cuenta con Rob Thomas. Este tema lleva por titulo “Smooth” y figura en el álbum “Supernatural”.

#4- Morena Mía.
Para conmemorar sus 30 años de carrera musical, en el año 2007 Miguel Bosé saca al mercado su álbum “Papito”. En este canta quince canciones en dueto con varios aristas. Muchas de las canciones que aparecen en este álbum son excelentes, sin embargo me sentí en la obligación de elegir únicamente una: “Morena Mía” con la mexicana Julieta Venegas. La versión original de esta canción aparece en nuestro primer conteo: ver http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/03/top-15-sexy.html

#3- Vivo Por Ella.
Prácticamente cualquier dueto realizado con el italiano Andrea Bocelli va a resultar espectacular. Este es el caso de la canción “Vivo Por Ella” que canta a dúo con la española Marta Sánchez. Uno de los temas más conocidos de Bocelli cantado en varios idiomas.

#2- Under Presure.
Uno de los mayores éxitos de una de las “mega-bandas” de la historia de la música. La grandiosa banda inglesa “Queen” se junta con otro grande de la música “David Bowie” y nos trae el tema “Under Presure” un tema cargado de melodía, controversia y buena lírica. Es uno de los temas más conocidos de la banda y su melodía es una de las más conocidas en el mundo. Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/03/under-pressure.html

#1- Stan.
Muchas agrupaciones conocidas se juntan con otras, también conocidas para hacer un trabajo. Muchos cantantes se ponen al día cantando con otro que este de moda en un momento específico. Sin embargo es pocas veces cuando una participación lanza a un artista totalmente desconocido directo al estrellato. En el año 2000 el rapero “Eminem” saca al mercado su álbum titulado “The Marshal Mathers L-P” en el cual figura“Stan”, una de las canciones más conocidas de este artista. “Stan” cuenta con la participación de una artista poco o nada conocida para ese momento: “Dido”. Después de que este tema se convirtió en uno de los más conocidos del mundo, la cantante encontró la fama y es ahora una artista con millones de ventas.
El hecho que este tema haya convertido a esta cantante en una de las más conocidas de Inglaterra y se haya convertido en uno de los temas más conocidos de ambos artistas, es lo que lo convierte en el número uno de nuestro conteo.




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jueves, 30 de julio de 2009

The Promise

La década de los ochenta fue una época durante la cual hubo una gran proliferación de bandas. Estas experimentaban con diversos estilos musicales, y además del “Metal” más pesado uno de los estilos más explotados fue el “Rock-Pop” o “Dance-Pop”. Uno de los grupos menos conocidos de este último género llevó por nombre “When In Rome”.

En el año 1988 esta agrupación inglesa originaria de Manchester, lanza al mercado su primer y único trabajo de estudio que lleva como nombre, al igual que la banda, “When In Rome”. Entre las canciones que figuran en este álbum se encuentra su único éxito: “The Promise”.

Este tema es prácticamente una declaración de amor. Podría decirse que es una carta que le escribe el cantante a su enamorada, o más posiblemente un discurso de amor que le dedica. Después de escuchar bien la canción se puede deducir que los dos personajes ya se conocen, y que son amigos. Luego, el personaje que canta decide declarar su amor y lo hace de la siguiente manera: le dice que le tenga confianza, que en el siempre va a tener un amigo y una persona en quien confiar; le dice que le disculpe todas las cosas tontas que dice y los errores que comete.

La letra del coro es la que realmente le da el título a la canción y, en mi opinión, la mejor parte de la lírica. En el coro el cantante pide perdón por la manera en que dice las cosas y que no es realmente la manera en que tenía planeado decirlas, sin embargo, le asegura, mejor dicho, le promete a su amada que si esta le da la oportunidad, la va a enamorar.

Con respecto a la musicalización, a los pocos segundos de comenzada, podemos ubicar el tema en su década correspondiente. “The Promise” reune varias características de la música de los ochenta. Al empezar lo que escuchamos es un efecto electrónico que da la sensación de apertura, e inmediatamente se añade el teclado (instrumento bastante utilizado en esta década para iniciar los temas). El teclado marca la melodía principal de la canción, y durante la totalidad del tema, va a tomar el papel de instrumento principal.

Luego de establecer la melodía con el teclado entran la batería y el bajo, ambos marcando un ritmo y tempo “Dance-Pop” característico de este estilo. La voz del cantante durante las estrofas es baja y lenta, tiene un aire melancólico. Esto es por que en las estrofas el cantante se esta declarando. Durante el coro, cuando la letra se aviva, la voz alcanza un tono más alto y aumenta en velocidad, denotando la emoción del cantante en el momento en que pierde las palabras y pide perdón por su torpeza.

Durante el coro se escucha suavemente una guitarra, la cual a pesar de no tener un papel relevante, no queda fuera de la canción. La voz del cantante siempre va acompañada de ciertos efectos eléctricos que dan impresión de eco (además de que existen en realidad dos cantantes) bastante típico de la música de los 80.

Este tema llego a estar de número 19 en el “U.S. Billboard Hot Dance Music/Maxi Singles Sales”, de número 11 en el “U.S. Billboard Hot Dance Club Play” y de número 1 en “U.S. Billboard Hot 100”. Además de esto, el tema fue recordado recientemente en la película del año 2004 “Napoleon Dynamite”.

De su único álbum de estudio “When In Rome” nos trae un único gran éxito que realmente vale la pena escuchar.

  • Tema: The Promise
  • Artista: When In Rome
  • Album: When In Rome
  • Género: Dance-Pop
  • Año: 1988

viernes, 24 de julio de 2009

Stars

Muchas agrupaciones musicales, después de varios años de experiencia y un cierto número de trabajos de estudio, lanzan al mercado un álbum recopilatorio con sus mayores éxitos. Muchos de estos álbumes, además de contar con los mejores temas de dicha agrupación, cuentan con una o varias canciones inéditas (probablemente por motivos comerciales). Muchas de estas canciones llegan a ser grandes temas, inclusive algunos de los más conocidos de la agrupación.

Este caso ocurre en el año 2002, cuando la agrupación irlandesa “The Cranberries” saca al mercado su ultimo álbum “long play” titulado “Stars: The best of 1992-2002”. Además de grande éxitos de la agrupación como “Linger”, “Zombie”, “Dreams”, entre otros, este álbum nos trae el tema inédito “Stars”.

La agrupación “The Cranberries”, durante sus 10 años como grupo, se caracterizó por crear canciones del estilo “Rock”, específicamente “Rock Alternativo”. Este tipo de canciones se caracterizan por un papel principal de la guitarra, un bajo y una batería acompañante, y en algunos casos la añadidura de instrumentos como el teclado.

En el tema “Stars”, desde el inicio de la canción escuchamos todos lo instrumentos juntos. Un punteo de guitarra con un leve nivel de distorsión, un bajo que acompaña con, prácticamente, las mismas notas que la guitarra, y una batería que además de marcar el tempo, añade redobles y contratiempo a la canción.

Durante todo el transcurso de la canción los instrumentos permanecen prácticamente invariables: una fuerte guitarra líder y un excelente apoyo por parte del bajo y la batería. Sin embargo el instrumento más destacable de la canción (y de todas las canciones de esta agrupación), es la fantástica voz de Dolores O’Riodan. Esta cantante prácticamente hace que la banda suene de la manera excelente en que lo hace. Y no es que los instrumentos suenen mal, todo lo contrario; es solo que la voz de la cantante es realmente excepcional. En mi opinión, la voz es excelente porque es diferente a muchas otras voces de agrupaciones de “Rock”. Para empezar, es una voz femenina, las cuales no abundan en este género. Y luego, no se si es el timbre o el dejo de acento irlandés, pero al escuchar la canción lo más probable es que la voz les guste.

De más está decir que es la voz la que marca la melodía principal de la canción. Y, a pesar de ser simple, lo que esta voz dice constituye una buena lírica. Es una canción de amor. La cantante le habla a una persona y le dice que lo ama tal y como es. Le dice que lo toma, lo ama, y lo tiene tal como es, a pesar que no sea perfecto, esto demuestra todo el amor que siente la cantante por la persona a la que se refiere. El tema lleva por título “Stars” debido a que se hace la referencia a las estrellas para denotar la melancolía de la cantante. No sabemos si se encuentra sola o acompañada, pero aparentemente son las estrella las que le recuerdan todo el amor que tiene por la personas a la que le canta.

El tema “Stars” es el último tema que grabo la banda como agrupación. Después de lanzar al mercado el álbum “Stars: The Best of 1992-2002” la banda toma un descanso (vigente hoy día) para avanzar en sus carreras solistas.

Entonces tenemos aquí el último tema de la autoría de la agrupación “The Cranberries”, es un gran tema que definitivamente fue una buena despedida que nos dio la banda.

  • Tema: Stars
  • Artista: The Cranberries
  • Album: Stars: The Best Of 1992-2002
  • Género: Rock Alternativo
  • Año: 2002

PD: Lamentablemente no pude conseguir la canción para añadirla al playlist, y tampoco el video original. Sin embargo es una buena versión en concierto. Pongan pausa al playlist del blog y escuchen "Stars".

sábado, 18 de julio de 2009

Kiss From A Rose

En el año 1995 la tercera película de la serie “Batman”, “Batman Forever” se estrena en el cine; y Como tema principal para su banda sonora se escogió la canción “Kiss From A Rose”. Este tema figura tanto en el “CD soundtrack” de la película (1995) como en el álbum “Seal”, también conocido como “Seal II” (1994).

Seal Henry Olusegun Olumide Adeola Samuel, mejor conocido como “Seal”, es uno de los cantantes de “Soul” y “Rythm & Blues” más reconocidos del mundo. Este cantante es uno de los ejemplos de que la música puede lograr cosas maravillosas. Seal fue dado en adopción voluntariamente por sus padres debido a la carencia de recursos para su cuidado y educación. Fue criado por sus padres adoptivos en Inglaterra donde creció y vivió la mayor parte de su vida. Cuando adolescente Seal presentó síntomas de “DLE” o “Discoid lupus erythematosus”, una enfermedad que ataca los tejidos de la piel y que causaron las cicatrices en la cara del cantante. Seal se inició en el mundo de la música en el año 1980 con la banda inglesa de “punk”: “Push”. Sin embargo su fama como solista inició en el año 1990.

Cinco años después su canción “Kiss From A Rose” llegó a formar parte de la banda sonora de la película “Batman Forever” y llegó al puesto número uno en el “US Billboard Hot 100”.

La letra de la canción habla sobre una persona que se descubre a si misma cuando conoce a una mujer. Cuando esta mujer llego a su vida, el lado oscuro de este personaje se alumbro, y el amor que ella le daba se convirtió en una droga. El personaje compara a la mujer con una rosa floreciendo, y se compara a si mismo como una torre oscura. Es debido a la comparación entre la mujer y la rosa, que este tema lleva este titulo. Básicamente es una canción de amor, prácticamente como las gracias que le da una persona a la otra por haber aparecido en su vida.

Lo primero que escuchamos en la canción es al intérprete tarareando la melodía principal del tema, a lo que luego se añade un instrumento de viento, un piano y una guitarra. Justo antes del coro se nota el golpe de la batería y es el momento en que la canción cambia de velocidad. Sin embargo la voz del cantante no explota sino hasta más adelante cuando llega a unas notas bastantes altas para su tono de voz y cuando se llega al momento álgido de la canción.

Seal es un excelente artista, que transformó una vida que pudo haber sido catalogada de trágica en una gran carrera musical. Entre sus 12 álbumes se encuentra “SealII” que nos trae el tema “Kiss From A Rose”. Este último es uno de los temas más reconocidos de este cantante y uno de los más premiados y galardonados. Puesto número uno en los Estados Unidos, número dos en el Reino Unido, Número uno en Australia, gano dos “Grammy” en 1996 por “Mejor Single” y “Canción del año”.

Los galardones lo dicen todo: “Kiss From A Rose” vale la pena escucharla, y luego de escucharla, su estilo suave y melodioso, característico del “Soul”, la convierte en un tema relajante y escuchable en muchas ocasiones.

  • Tema: Kiss From A Rose
  • Artista: Seal
  • Album: Seal (Seal II)
  • Género: Rythm & Blues
  • Año: 1994

domingo, 12 de julio de 2009

Dreadlock Holiday

Una de las bandas de “Rock” consideradas “clásicas” menos renombradas, es la agrupación inglesa que lleva por nombre “10cc”. Desde sus inicios a principios de los años 70, hasta su último trabajo de estudio en el año 1995, grabaron 12 trabajos de estudio, además de todos los “singles”. Su música se puede considerar variada, se pasea por varios géneros entre los que encontramos el “Rock” más clásico y un “Pop” bastante pegajoso.


En el año 1978 con su séptimo álbum de estudio titulado “Bloody Tourists”, “10cc” da a conocer uno de sus temas más conocidos: “Dreadlock Holiday”.

Esta canción es del género “Reggae”, y a pesar de que “10cc” se haya caracterizado por canciones del género “Rock”, el tema “Dreadlock Holiday” es sin duda uno de los mejores de esta banda. Al pertenecer a este género, tiene unas ciertas características básicas que, obviamente, podemos encontrar en esta canción.

Lo primero que se escucha en la canción es una guitarra y un teclado marcando la introducción musical de la canción, sobre unos timbales. Estos timbales, a pesar de ser instrumentos de percusión añaden un extra de melodía a este segmento. Podemos escuchar durante toda la canción una guitarra que se encarga de marcar acordes con un ritmo que se podría describir con la palabra: interrumpido o entrecortado (característico del “Reggae”). Además escuchamos un bajo que simplemente acompaña la melodía y una batería que marca el tempo y también se encarga de acompañar. Todo esto crea un sonido tropical o isleño, típico del "Reggae".

Al ser la guitarra el instrumento que manda, la canción es altamente melodiosa, y como en todo “Reggae” la voz principal juega un papel importante. La melodía vocal, debido a la suavidad de los instrumentos, es la melodía principal de la canción, a diferencia de muchas otras canciones que tienen a los instrumentos como melodía principal.

Al ser la voz el instrumento más relevante en la canción, la letra del tema se convierte en uno de los aspectos más relevantes de la misma. “Dreadlock Holiday” esta basada en una historia real, unas vacaciones que tomo Justin Hayward, vocalista de “Moody Blues” en Barbados. En la canción, un blanco se encuentra de vacaciones en Jamaica, y después de tener un encuentro con unos matones, regresa al hotel. Mientras se encuentra tomando una piña-colada, una voz le ofrece “algo más fuerte”, el personaje principal de la canción lo toma y se sumerge en unas “Dreadlock Holiday”.

Durante el tema el cantante asegura que ama ciertas actividades y aspectos de Jamaica, esto para agradarle a los asaltantes con los que se encuentra. Luego, cuando le dan “algo más fuerte” (podemos asumir que es una droga… probablemente marihuana) asegura que ama a Jamaica.

El tema lleva por nombre “Dreadlock Holiday” por la analogía que presenta la palabra “dreadlock” y Jamaica. Los “dreadlocks” o “dreads” es el nombre que lleva el peinado que utilizan los miembros del rastafarismo. Vuelto famoso por Bob Marley, este peinado caracteriza a la isla, y es prácticamente un sinónimo de la misma.

Este tema fue utilizado en la serie inglesa “The Mighty Boosh”, fue utilizada por la cadena inglesa de deportes “Sky Sports” para la cobertura de un torneo de cricket (el cricket es un deporte jugado en Jamaica, y forma una parte importante del tema), fue parte del soundtrack de la película “Snatch”, fue victima de covers por bandas como “Belle And Sebastian” y “The Hard Way” y llego al número 44 en el “Bilboard Hot 100”.

Como la mayoría de los temas de “Reggae” es bastante agradable escucharla, además de que la letra es realmente original. “Dreadlock Holiday” es realmente una excelente canción, sin duda uno de los mejores temas de “10cc”.

  • Tema: Dreadlock Holiday
  • Artista: 10cc
  • Album: Bloody Tourists
  • Género: Reggae
  • Año: 1978

(Este tema aparece en el top15"Soundtracks" en http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/06/top-15-soundtracks.html)

domingo, 5 de julio de 2009

Baila Morena

Uno de los compositores italianos de música moderna más célebres, tiene como nombre Adelmo Fornaciari. Cuenta con 23 álbumes de estudio y varios “singles”, y ha tenido el honor de trabajar con artistas de la talla de “Sting”, “Macy Gray”, “Sheryl Crow”, “B.B. King”, “Tom Jones” y muchos, muchos más. Uno de los temas más conocidos de este artista cuenta con la participación del grupo mexicano “Maná”, y lleva por título “Baila Morena”.

A continuación uno de los éxitos más grandes de Adelmo “Zucchero”.


El tema “Baila Morena” fue mostrado al público en el año 2001. Este tema formaba parte de un “single” que lleva como titulo “Baila Sexy Thing”. El tema original cuenta únicamente con el cantante italiano y es cantada en este idioma, fue en el año 2006, con la salida al mercado del álbum “ZU & CO”, que se dio a conocer el tema en español con la participación de “Maná”.

El tema que se analizará a continuación será el que cuenta con la participación del grupo mexicano. Esto debido a que es esta versión de la canción “Baila Morena”, más conocida que la original en italiano y que la versión en ingles utilizada para la película “Les Bronzés 3”.

La letra de “Baila Morena” vendría a ser una de las categorías de letras más clásicas que existen. Esta canción es una completa dedicación a una mujer, una morena para ser exactos. “Zucchero” la ve por primera vez en una noche de baile, y alcohol, lo que nos lleva a pensar que la ve en un bar. Desde que la ve, no puede dejar de verla, y en lo único que insiste es en hacerla bailar.

Musicalmente es una canción del género “Rock”. Cuenta con una participación importante de la guitarra y gran protagonismo por parte del teclado, esto genera en la canción un sonido con más alto que bajo. Una de las características de esta canción es (al igual que el resto de las canciones de “Zucchero”) es la ronca voz del cantante, y hay que reconocer que su unión con la voz, igualmente ronca, de Fher, añade un aire de intensidad a la canción. El coro de “Baila Morena” es altamente melodioso, durante el tiempo que este dura, ocurre una explosión de instrumentos, y logra que esta sección de la canción, sea la que realmente queda grabada en nuestra memoria.

Este tema, ya que ha sido cantado en varios idiomas, ha sido incluido en los conteos de varios países como Belgica, Francia, Inglaterra, Italia, Alemania, etc.

“Baila Morena” es un tema que probablemente muchos han escuchado, sin embargo puede que no la recuerden. Sin embargo este tema es realmente bueno, cuenta con una melodía excelente y pegajosa, y una letra que, aunque simple, es entretenida y original.

  • Tema: Baila Morena
  • Artista: Zucchero (con colaboración de Maná)
  • Album: ZU & CO
  • Género: Rock
  • Año: 2001/2006

lunes, 29 de junio de 2009

Jerusalem

Salmo 137, 5-7: “¡Si me olvido de ti, Jerusalén, que mi derecha se olvide de mí! Que mi lengua se me pegue al paladar si de ti no me acuerdo, si no considero a Jerusalén como mi máxima alegría.”

Sabemos que existen muchas fuentes de inspiración para escribir canciones. Sin embargo, una de las menos utilizadas (por lo menos en los grupos de música comerciales) es la Biblia. El “Baal Teshuva” (Judío Ortodoxo) “Matisyahu” es uno de estos artistas que encuentra su máxima inspiración en los libros sagrados.

“Matisyahu” es el nombre hebreo de Matthew Paul Miller, quien en el año 2006, libera al público su segundo álbum de estudio titulado “Youth”. El segundo “single” de este álbum lleva como nombre “Jerusalem”.

A los 16 años “Matisyahu” realizó un cambio radical en su vida. Paso de ser un seguidor de bandas de “Rock” pesado, a convertirse en un judío ortodoxo quien, por medio de la música, difunde la palabra de Dios y reparte mensajes de paz y amor. La canción “Jerusalem” no es la excepción. Esta basada en el “Salmo 137, 5-7”. Este salmo habla sobre como no se olvidara la ciudad de Jerusalén. La canción en sí, recuerda este pasaje de las sagradas escrituras en cada coro, mientras que en las estrofas nos habla sobre la manera en que se debe sobrevivir, la manera en que se debe llevar una vida: rechazando lo malo, tomando buenas decisiones y amando. De la misma manera, esta lírica debe tener un significado aun más profundo para el cantante, quien se recuerda a si mismo sus raíces culturales en esta canción.

Para hacer el caso de “Matisyahu” más llamativo, este “Baal Teshuva” adoptó como género musical el “Reggae”. Este género le da a sus canciones un tono de alegría. Por más fuerte, pesado y profundo que sea el mensaje, la canción siempre transmitirá un sentimiento de alegría y tranquilidad. Se podría decir que el género “Reggae” comparte bastantes aspectos con el genero “Rap” (en lo que se refiere a la música en comparación con el género “Rock”). Los dos géneros constan de una lírica rápida y con más peso que los instrumentos. Igualmente ambos géneros muestran una preferencia por el bajo sobre el alto. Es decir, instrumentos como el bajo y los golpes del bombo superan a instrumentos como la guitarra y golpes de platillo.


En “Jerusalem” el instrumento que más se destaca es el bajo, mientras que la guitarra funciona como instrumento secundario con acordes y punteos suaves.

La canción “Jerusalem” toma prestado versos de la canción “Break My Stride” de Matthew Wilder y los utiliza como puente. Igualmente una versión en vivo de esta canción, figurada en el álbum “Live At Stubb’s” es más conocida que su versión original.
"Jerusalem" es una canción singular, es el tipo de canción que no escuchamos todos los días. Es el tipo de canción que nos muestra que la música puede abarcar más de lo que usualmente abarca. "Jerusalem" es un buen tema, realmente uno que vale la pena escuchar.
  • Tema: Jerusalem
  • Artista: Matisyahu
  • Album: Youth
  • Género: Reggae
  • Año: 2006

PD: la canción "Jerusalem" que figura en el "playlist" del blog es la versión en vivo. Consejo: Comparenla con la versión original que sale en el video.

jueves, 25 de junio de 2009

Michael Jackson

El 25 de junio del año 2009 será recordado por mucho tiempo como uno de los días oscuros en la historia de la música. Este día fallece a los 50 años de edad Michael Jackson: “El Rey del Pop”.

La historia de la vida de Michael Jackson es tan completa y el legado que dejo al mundo de la música tan extenso, que me cuesta decidir por donde comenzar esta especie de tributo. Michael Jackson fue una persona que será recordada por mucho más que por un paso de baile, o por una canción. Fue una persona que a pesar de sus controversias personales aporto en exceso tanto al mundo de la música como al mundo en general. Y es que, ¿Qué persona con más de 10 años no se sabe por lo menos una canción del “Rey Del Pop”?

Muchos sabemos que Jackson vivió toda su vida en el mundo de la música. Desde el año 1966, con tan solo ocho años, Michael forma, por iniciativa de su padre, una agrupación con sus cuatro hermanos mayores llamada “Jackson Five”. En este grupo Michael ejerció el papel de vocalista principal. Muchas personas notaban que el más pequeño de los Jacksons era el que más prometía en el mundo de la fama; esto también fue visto por el padre de los hermanos, quien se dice explotaba al joven Michael haciéndole ensayar sin descanso por varias horas.

Desde el año 1972 Michael Jackson comenzó a lanzar al mercado “singles”, en los cuales incluía canciones de su autoría que no ejecutaba con sus hermanos.
Además de estos “singles”, Jackson también lanzó varios álbumes de estudio, y su primer “gran álbum” fue “Thriller”. Ya para este momento la fama de Michael era bastante grande, sin embargo, luego de este álbum, fue realmente indiscutible. La canción “Thriller” fue una de las primeras canciones de la historia de la música que utilizo video musical, y hasta el día de hoy es uno de los videos más conocidos del artista. Con 109 millones de copias vendidas en todo el mundo, “Thriller” se encuentra en el puesto del álbum con mayor cantidad de copias vendidas de la historia.

Luego de “Thriller” el “Rey Del Pop” cuenta con cuatro álbumes más de estudio, “Bad”, “Dangerous”, “HIStory” y “Invincible”. Este último, siendo su último trabajo de estudio en el año 2001.

La vida personal del Michael Jackson fue una de las más controversiales de la historia de la música. Para el año 1986 Jackson acumulaba un total de cuatro cirugías en la nariz, una en la barbilla y este mismo año fue diagnosticado con vitíligo y lupus, ambas enfermedades afectan la tonalidad de la piel. Además de esto Michael tuvo varios problemas de alimentación y llegó a tener “anorexia nervosa” debido a esto creo una adicción a las drogas. Para el año 1990 Jackson tenía 10 cirugías en la cara, había superado su adicción a las drogas y paso a ser caucásico.

Además de esto tenemos una especie de obsesión por parte de Michael al personaje de Disney “Peter Pan”. A partir del año 1988 se mudó a su rancho llamado “Neverland Ranch” el cual ocupo hasta el 2005. En este rancho, Jackson tenía su propio zoológico y parque de diversiones. En el año 1993 un joven de 13 años llamado Jordan Chandler acuso a Michael Jackson de abuso sexual. Esta acusación lo llevo a su primera disputa legal por este tema. En el año 2003 el joven Gavin Arvizo acusa de nuevo a Jackson por abuso sexual creando el famoso caso que seguramente todos recordamos.

Sin embargo Jackson, a pesar de todos estos problemas personales, fue un gran ser humano. Es una de las celebridades con más donaciones a caridades con más de 100 millones de dólares a diferentes organizaciones alrededor del mundo. En el año 1989 fue galardonado con su primer premio por labores humanitarias del “National urban Coalition”. En el año 1990 fue reconocido por la asociación de “Boy Scouts de America” y por el “Capitol Children’s Museum”, también por sus labores humanitarias. En 1994 fue reconocida su labor humanitaria por “The Crenshaw Comunity Youths And Arts Foundation” y luego en el año 1995 sus labores fueron reconocidas por “Harry Chapin Memorial”.
En el año 2002 fue homenajeado por el “Celebrate Magic Foundation”. Su último reconocimiento fue en el año 2004 con el “Elefante De Oro” por sus labores humanitarias en el África.

Todo esto sin contar sus 197 reconocimientos por la música; entre los que cuenta con 22 “Grammy” varios premios dados por el gobierno y el presidente de los Estados Unidos, 13 record “Guinness”, 13 premios “MTV”, 1 “Golden Globe”, 40 “American Music Awards”, 12 “World Music Awards” y muchos, muchos más. Todo esto lo hace ser conocido no solo como el "Rey Del Pop" sino como el "Rey del Entretenimiento".

Es difícil separar la vida privada del cantante con su vida musical. Sin embargo debemos recordar que, independientemente de que estos rumores sean reales o no, Michael Jackson también fue una gran persona. Su aporte al mundo de la música difícilmente será olvidado, y en estos momentos envidio a cualquiera que haya tenido la oportunidad de verlo en vivo. Sus canciones marcaron un hito en la historia, gran cantidad de ellas han sido victimas de covers que, al igual que las originales, han alcanzado el éxito. Sus pasos de baile, el “Moonwalk” el “No Gravity” y su famoso grito, se han intentado imitar desde los 80, pero hay que reconocer que solo Michael los hacia ver bien.

Michael Jackson fue más que una canción, más que un paso de baile, más que un personaje controversial… Sin duda alguna Michael Jackson fue el “Rey Del Pop”.

REST IN PEACE, KING OF POP...


Y aquí, el video más conocido de Michael jackson y 10 canciones que nos pasean por su historia musical.
(Incluyendo "We Are The World")





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domingo, 21 de junio de 2009

Top 15 "Soundtracks"

Todos sabemos, o deberíamos saber, que la música es un mundo. Ya sea por todas las diferentes movidas que ocurren en el, o por que al escucharla nos sintamos alejados de la realidad. Otro mundo, que funciona de manera similar a la música, es el cine. Por muchos años nos hemos entretenido con miles de películas, algunas memorables algunas no tanto. Sin embargo, memorable o no, una película no es nada sin música, y es por esta razón por la que el tercer “Top15” de “Dont Stop The Music” va dedicado a los Soudtracks.

Muchas veces cuando nos mencionan una canción, inmediatamente la vinculamos a una película, igualmente, algunas veces cuando nos mencionan una película la vinculamos a la canción (caso que es mejor para la canción, ya que significa que la película pasa a segundo plano). Las siguientes 15 canciones mencionadas a continuación, puede que les recuerden a una película, o bien puede que no la reconozcan hasta que vean a que película pertenece. O que simplemente no reconozcan ni canción ni película. En fin, solo hay una manera de saberlo. Sin más preámbulos, el tercer conteo de “Dont Stop The Music”.

Top 15 “Soundtracks”



#15- What we’re all about.
En el año 2000 junto con la película “Spiderman”, nos llega uno de los temas incluidos en su banda sonora titulado “What we’re all about”. De la autoría de “Sum 41”, esta canción presenta las características principales de esta banda, un “Rock” semipesado y líricas al estilo “Rap”

#14- Die Another Day.
En el año 2002 se estreno en el cine la película “Die Another Day”, film número 20 de la saga de James Bond. Es una característica de las películas del espía ingles tener una canción que utilice el título del film. En esta ocasión la canción homologa fue obra de “Maddona”.

#13- Build Me Up Buttercup.
La agrupación “The Foundations” en el año 1968, dio a conocer su primer “Hit” llamado “Build Me Up Buttercup”. 30 años después esta canción pasa a formar parte de la banda sonora de la película “There’s Something About Mary”. Esta canción aparece pocas veces en la película, de hecho por lo que recuerdo el único momento en el que sale es en los “bloopers”. Sin embargo es la canción icono de esta película.

#12- Sleeping Awake.
Una canción de película que no muchos conocen es la llamada “Sleeping Awake”. Esta fue incluida en el año 2003 en el film “The Matrix Reloaded”. Esta canción del grupo “P.O.D” es bastante violenta, y se adapta perfectamente, tanto en música como en letra, a la película en cuestión.

#11- Cells.
En el año 2005 muchas personas se deleitaron con la película “Sin City”. Igualmente se pudieron deleitar con la canción clave de su “Soundtrack” llamada “Cells”. Con esta canción un grupo no muy conocido llamado “The Servant” realmente se luce y crea una tema realmente excelente.

#10- I Don’t Wanna Miss A Thing.
La película del año 1998 llamada “Armageddon” tiene como tema principal la canción del grupo “Aerosmith” que lleva por nombre “I Don’t Wanna Miss A Thing”. Esta no es la primera vez que esta canción aparece en nuestro blog. Aparece también en el primer conteo “Top15sexy”. Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/03/top-15-sexy.html

#9- Head Over Heels.
La película oscura y poco conocida “Donnie Darko” tiene como tema principal la canción “Head Over Heels” de la agrupación “Tears For Fears”. Esta película del año 2001 busco esta canción escrita 20 antes que su estreno para formar parte de su banda sonora. “Head Over Heels” también ha aparecido anteriormente en nuestro blog. Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/05/head-over-heels.html

#8- Dreadlock Holiday.
En el año 1978 el grupo “10cc” escribió esta canción de “Reaggae” y 22 años después fue empleada para la banda sonora de la película “Snatch”.

#7- Jai Ho.
La película del año 2008 “Slumdog Millionaire” nos brinda una de las mejores bandas sonoras de los últimos tiempos. Originaria de Sukhwinder Singh, pero la versión del grupo “The Pussycat Dolls” es la que forma parte de este film. Es una canción realmente completa con influencias hindúes y del “Pop” moderno, creando una buena e interesante mezcla.

#6- Unchained Melody.
En el año 1990 se estrena la película romántica “Ghost”. Este film tiene como escena memorable la que presenta a los personajes en una escena romántica sobre un torno de alfarero. Es justo en esa escena que suena la canción “Unchained melody”, esta canción ligada a esta escena, la convierten en una de las más conocidas y una de las más sexys. (Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/03/top-15-sexy.html)

#5- Lady Marmalade.
En el año 2001 “Pink”, “Lil’ Kim”, “Maya” y “Christina Aguilera” se unen para crear la canción “Lady Marmalade”. Esta canción es el tema principal de la banda sonora del musical “Moulin Rouge”. Esta combinación de artistas crea una de las canciones más conocidas de los últimos tiempos.

#4- I Will Always Love You.
Whitney Houston canta una de las canciones más memorables en el mundo del cine, cuando en el año 1992 incluye “I Will Always Love You” en la película “The Bodyguard”. Esta canción es original de Dolly Parton, sin embargo es Houston la que la vuelve famosa. Ver: http://dntstoptmusic.blogspot.com/2009/04/top-15-covers.html

#3- Take a Look Around.
Una de las canciones más conocidas en el mundo del cine, puede ser por el excelente trabajo de la banda o por la calidad de la película, es la canción “Take A Look Around” por la banda “Limp-Bizkit”. Esta canción pertenece a la banda sonora de “Mission Imposible”.

#2- Gangsta’s Paradise.
La canción “Gangsta’s Paradise” de “Coolio” forma parte de la banda sonora de “Dangerous Minds”. Esta canción va totalmente de acuerdo con el tema de esta película, hablando de violencia, drogas y vida en las calles.

#1- My Heart Will Go On.
No podemos dudar que uno de los “Soundtrack” más conocidos es la canción “My Heart Will Go On” de Celine Dion. Este tema forma parte de una de las películas más exitosas de todos los tiempos: “Titanic”. Es un tema suave, que recuerda el ambiente romántico y soñador de la película. Aunque sea una canción que muchos puedan catalogar de aburrida, lenta o “Girly” no puede caber duda que esta canción merece tener el puesto #1 de el “Top15Soundtracks”.



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martes, 9 de junio de 2009

Tonight, Tonight

Una de las bandas de “Rock” mas conocidas y aclamadas de los años noventa es la llamada “The Smashing Pumkins”, y uno de sus temas más celebres y exitosos, por su música, por su lírica, por su concepto y por su video, es la canción “Tonight, Tonight”.

En el año 1995 el grupo americano “The Smashing Pumkins” saca al mercado su tercer álbum, titulado “Mellon Collie And The Infinite Sadness”. Hay que tener en cuenta que el trabajo de estudio de “The Smashing Pumkins” llamado “Siamese Dream” (dos años antes de “Mellon Collie And The Infinite Sadness”) fue criticado y calificado de “Sabor de una dimensión”. Esto quiere decir que todas las canciones del álbum eran muy parecidas y, sin llegar a ser malo, “Siamese Dream” no presentaba originalidad ni variación en sus canciones.

Por esta razón, Billie Corgan (cantante de la agrupación) se aseguró de que el siguiente trabajo de estudio que grabase, sí presentaría al público una propuesta original e interesante. “Mellon Collie And The Infinite Sadness” es un álbum conceptual. Este tipo de discografía presenta una conexión entre todas sus canciones ya sea por medio de la música, la letra o el concepto. En el caso del tercer disco de “The Smashing Pumkins”, la conexión ocurre por el concepto. Todas las canciones de este álbum giran en torno al tema del ciclo de vida y muerte.

Entonces, debemos tener en cuenta que el sentido principal de la letra de la canción es la vida y la muerte. “Tonight, Tonight” habla sobre un viaje, el viaje de la vida. Habla sobre como vamos haciendo el viaje del tiempo y que sufrimos cambios irreversibles. Nunca seremos los mismos y dejaremos como pago nuestra juventud. Además de esto, también habla sobre la confianza. Billie Corgan nos dice que confiemos en él, y repetitivamente nos habla sobre “Esta noche”.

Alrededor de esta palabra (Tonight en ingles, esta noche en español) gira todo el tema. Quizá lo que quiere decir Corgan con esta palabra, en relación con el viaje de la vida y en relación con el resto de la letra, es que esta noche la persona a la que Corgan se dirige, morirá. Esta persona debe confiar en el cantante que luego de la muerte las cosas serán mejores. En fin, esa es mi interpretación.

Como dije anteriormente, la propuesta de este álbum, era la originalidad y la variabilidad entre canciones (esto desde el punto de vista musical, ya que sabemos que todas se conectan entre si conceptualmente). Musicalmente se pueden destacar unas características del álbum. Todas las canciones están grabadas en una tonalidad diferente, es decir, a la manera natural que suena la guitarra se le baja medio tono, logrando un sonido más bajo. Además el grupo intento que todas las canciones tuviesen una característica que las separase del resto. En el caso de “Tonight, Tonight” son los instrumentos de cuerda.

“Tonight, Tonight” se grabó con la cooperación de “The Chicago Symphony Orchestra”. La añadidura de todos estos instrumentos, le da una fuerza adicional a la canción. Esto se acentúa con el acompañamiento de la ronca y “rasgada” voz de Billie Corgan y los redobles de la batería de Jimmy Chamberlin.

El video de esta canción tuvo una gran aceptación por parte de los críticos y del público. Fue inspirado por el video sin sonido de Georges Mèliés titulado “Viaje a la luna”.

Algunos premios recibidos por esta canción son: fue aclamada como la mejor canción de “The Smashing Pumkins” por la revista Rolling Stone, llego al número cuatro en Billboard "Mainstream Rock Tracks", llegó al puesto número dos en Nueva Zelanda, número siete en el Reino Unido, y apareció en el conteo de Australia, Holanda y Bélgica.

Además de esto, el álbum “Mellon Collie And The Infinite Sadness” fue nominado para siete categorías en los Grammy del año 1997. Las nominaciones fueron: Álbum del año, Grabación del año, Mejor canción alternativa, Mejor performance por un grupo de Rock, Mejor canción de Rock, Mejor instrumental de Pop, y Mejor video musical.

El video de la canción ganó seis premios en los “MTV video music awards” del año 1996. Estos fueron: Mejor video, Mejor dirección, Mejor efectos especiales, Mejor dirección de arte, Mejor cinematografía, y “Breakthrough video”.

Como conclusión: “Tonight, Tonight” es una obra de arte musical completa, contando con excelente música, excelente letra excelente concepto y excelente video musical.

  • Tema: Tonight, Tonight
  • Artista: The Smashing Pumkins
  • Album: Mellon Collie And The Infinite Sadness
  • Género: Rock alternativo
  • Año: 1995

jueves, 4 de junio de 2009

Golden Brown

La década de los 80 fue una década dorada para la música. Se experimento con variados ritmos, instrumentos, nueva tecnología, estilos y de más está decir, variadas sustancias psicotrópicas. Muchos grupos florecieron y se lanzaron al estrellato, y algunos de esos grupos son aun famosos o altamente conocidos.

Uno de estos grupos tiene como nombre “The Stranglers”. Esta agrupación británica fue artífice de 16 álbumes de estudio en sus 29 años de historia. De todas las canciones que componen estos 16 álbumes, podemos extraer como uno de sus temas más conocidos, el hit “Golden Brown”.


Fue en el año 1981 cuando salio al mercado “La Folie”, el álbum que contiene esta canción.

El tema “Golden Brown” al escucharlo la primera vez nos podría sonar extraño por dos razones: la primera es que es un tema interpretado con un clavecín, un instrumento de cuerdas parecido a un piano que, en vez de golpear las cuerdas las hala como un harpa; y la segunda es que este tema, a diferencia de la mayoría de los temas que es escuchan normalmente, es un “Waltz”. Que sea un “Waltz” o un “Vals” implica que el tiempo varía entre 3/4 y 4/4, creando un sonido difícil de acostumbrarse.

El clavecín crea un efecto de antigüedad (de hecho, el clavecín fue creado en el periodo barroco) que da a la pieza un sonido extraordinario al mezclarse con instrumentos mas modernos como la guitarra eléctrica y el redoblante de la batería.

Aunque parezca imposible, es la letra de la canción lo que más debería llamarnos la atención. Digo imposible porque la construcción de este tema en “Waltz” y con un instrumento tan poco usado en el “Rock” como el clavecín, podrían dar a pensar que la música es lo más interesante. Sin embargo la lírica de esta canción ha estado creando discusión y controversia desde el día en que se dio a conocer.

¿Qué quiere decir el grupo con “Golden Brown”? ¿Por qué hay gente que dice que hay más de una letra para la misma canción? Bueno, hay muchas frases en la canción que pueden ser victimas de un efecto conocido como “Mondegreens”, el cual implica que una frase en un poema o en una canción pueda ser percibida de maneras diferentes, prácticamente como homófonas. Por esta razón hay teorías que dicen que hay diferentes letras. La banda misma describe a la canción como un “Test de Rorschach”, donde todos escuchan lo que quieren escuchar.

Por otro lado, ¿Qué quiere decir “Golden brown”?
Golden brown es un área de color dentro de las diferentes tonalidades del color oro, sin embargo, esto no tiene nada que ver con la canción. En un principio la banda alegó que la letra trataba sobre marmita, un condimento utilizado en lugares como Inglaterra, Australia y Sudáfrica. Luego, años después, el cantante Hugh Cornwell en su libro “The Stranglers Song by Song” declara lo siguiente:

"'Golden Brown' works on two levels. It's about heroin and also about a girl… both provided me with pleasurable times.”
“Golden Brown funciona en dos niveles, es sobre la heroina y sobre una mujer… ambas me dieron momentos de placer.”

Como se puede ver la letra de “Golden Brown” es más de lo que parece, y mezclada con la maravillosa música crea un tema digno de escuchar.

Este tema ha aparecido en las películas “He died with a felafel in his hand” y “Snatch”, además de aparecer en el videojuego “NARC” y en “Newsnight”, un programa ingles que utilizó la canción para burlarse de Gordon Brown.

Victima de varios “covers”, utilizada en películas y juegos e incluso parodias… De hecho, fue tan aclamado que apareció en su siguiente álbum "Feline" como un "Bonus Tracks" y quedo como número dos en las listas britanicas del año 1982.
“Golden Brown” vale la pena escucharlo una y otra vez…

  • Tema: Golden Brown
  • Artista: The Stranglers
  • Album: La Folie
  • Género: Rock
  • Año: 1981

sábado, 30 de mayo de 2009

Tony Melendez

Este post va dedicado a un artista llamado Tony Meléndez. Sin embargo, no va dedicado a él por su alguna de sus canciones, ni tampoco por la música que él crea. Este post va dedicado a la manera y el motivo por el que Tony Meléndez crea su música; por lo que esta significa para su persona y para lo que podría significar para todos nosotros.


José Antonio Meléndez Rodrigues, mejor conocido como Tony Meléndez nace en Rivas, Nicaragua en el año 1962. Desde pequeño después de descubrir una guitarra española que pertenecía a su padre, Tony se ha dedicado a la música. Ha compuesto varías canciones y tiene siete trabajos de estudio, todo esto a pesar de un impedimento físico con el que ha vivido desde su nacimiento.

Durante los primeros meses de su embarazo, la madre de Tony tomaba un medicamento de nombre “Talidomida”, una medicina que servía como sedante y calmante para las nauseas del embarazo. Este medicamento ocasionó, al igual que en muchos otros embarazos, que el feto desarrollara una enfermedad que afecta las extremidades llamada focomelia. Tony Meléndez nació sin brazos.

Por este motivo el padre de Tony decidió mudarse a los Estados Unidos, donde su hijo podría tener mejores cuidados médicos y mejores oportunidades de vida.

Incluso en su nuevo hogar Tony no dejo de practicar con su guitarra, consiguió una nueva manera de afinarla y practicaba entre seis y siete horas diarias, todo esto para convertirse en un verdadero as de la guitarra, usando únicamente sus pies.

La música fue algo a lo que Tony se aferró para seguir adelante. Por muchos años tocó su instrumento, componiendo el mismo sus propias canciones, en 1990 graba su primer disco, a los que le siguieron seis más en los siguientes nueve años.

Al igual que la música le sirvió como instrumento de vida, Tony se valió de la religión y de su ciega fe en Dios para salir adelante. En el año 1985 durante su visita a Los Ángeles, el Papa Juan Pablo II bajó de su tarima para besar a Tony Meléndez luego de una espectacular y motivacional ejecución de la guitarra frente 6.000 personas en el Universal Anphitheater.

Es realmente hermoso ver a todas esas personas aplaudiendo para el y escuchar las palabras que le dedica el Papa: “Tony, eres verdaderamente un joven muy valiente. Estás dando esperanza a todos nosotros. Mi deseo para ti, es que continúes dando esperanza a toda la gente”.

Es realmente inspirador observar lo que esta persona hizo y todavía hace con su vida padeciendo una enfermedad que podría quitarle el ánimo a cualquier persona. Hoy Día, Tony está casado, tiene dos hijos, varios álbumes y dos libros. Además de esto viaja por los Estados Unidos dando charlas motivacionales principalmente a jóvenes.

Da mucho que pensar al ver a una persona como Tony, que incluso con una horrible discapacidad es capaz de vivir de una manera feliz, y prácticamente normal. Vive bajo su filosofía de no decir “No puedo” y enfrentando la vida tal como le enseño su padre: diciendo “Yo quiero, yo puedo, yo voy”.

A continuación un video/documental de la vida de este personaje. Dura seis minutos, lo sé, pero realmente les recomiendo verlo. Con esos seis minutos van pensar de una manera diferente, quizá vean las cosas de una manera distinta. Seguramente este video les dejará pensando en muchas cosas, es muy emocional y deja una gran lección de vida.

Entiendo que los primeros minutos del video no podamos evitar sentir lástima por esta persona, sin embargo, mientras el video avanza, está lastima se disipará y dará paso a la admiración.

domingo, 24 de mayo de 2009

Head Over Heels

En el año 1981, dos adolescentes llamados Roland Orzabal y Curt Smith se reúnen en su ciudad natal de Bath, en Inglaterra, para formar una de las bandas de “Pop Rock” más conocidas y más afamadas del mundo, “Tears For Fears”.

Cuatro años después de su creación, la agrupación inglesa crea su segundo álbum de estudio titulado “Songs From The Big Chair”. En este álbum se encuentran varios de los éxitos más conocidos de la banda, como lo son “Shout”, “Mother’s Talk” y el protagonista de este post: “Head Over Heels”


Una introducción ejecutada por un piano, a la que se une una guitarra, y luego de que la batería marque el tempo, el resto de los instrumentos y la característica voz de Roland Orzabal. De esta manera comienza el tema “Head Over Heels”. Durante el transcurso de éste notamos que tanto el piano y la guitarra son los instrumentos principales en toda la canción. Estos dos son los que denotan la melodía principal del tema.

Durante toda la canción podemos notar una cierta presencia, que podríamos llamar “electronica”. Con esto quiero decir que la melodía de la canción esta influenciada por el género “New Wave” que causo furor a final de la década de los 70 y principio de los 80, en el cual los sintetizadores son característicos y crean un efecto más electrónico que el que se obtiene únicamente con los instrumentos. Sin embargo, la presencia perpetua del piano contrarresta el sonido eléctrico y crea una excelente mezcla de sonidos.

La letra de esta canción se podría dividir en dos partes. En la primera parte, antes del primer coro, Orzabal nos habla de una situación en la cual él quería estar a solas con una mujer, sin embargo esta mujer no estaba interesada en el y lo rechaza, a lo que Orzabal replica que le está haciendo perder el tiempo.

Luego tenemos la parte que viene después del coro en el que el cantante comienza a hablar de manera despectiva contra alguien, presuntamente refiriéndose a la misma mujer que lo rechaza al inicio de la canción.

Roland Orzabal declara lo siguiente sobre la canción:
“It is basically a love song and one of the most simple tracks that Tears for Fears have ever recorded. It is a love song that goes a bit perverse at the end.”
“Es básicamente una canción de amor y una de las canciones mas simples que “Tears For Fears” ha grabado. Es una canción de amor que se pervierte un poco al final.”

Esta canción fue victima de versiones por bandas conocidas como “New Found Glory” y recientemente por Katy Perry, además de aparecer como canción principal en la película del año 2001 “Donnie Darko”.

  • Tema: Head Over Heels
  • Artista: Tears For fears
  • Album: Songs From The Big Chair
  • Género: Pop Rock
  • Año: 1985